A seguire, versione in italiano
Every painting hides a secret. It’s a force that manifests itself through painting in the form and in the stretch of the gesture, that is a visual result of a complex creative process. It doesn’t mean only that form, that stretch or that result. The painting presents the incarnation of an invisible force to the sensitive world.
Now! Painting in Germany Today (de: Jetzt! Junge Malerei in Deutschland) is an exhibition project that presents contemporary painting in Germany in a kind of figural way. The curators have been able to create a comprehensive, general and coherent way that provides an exhaustive cross-section of the young painters’ poetics on German territory. In fact, after 2 years of research in the nation’s ateliers and studios, the curators selected 53 artists, mainly born in the 1980s, whose works are exhibited in museums in four different cities – Bonn, Wiesbaden, Chemnitz, Hamburg – for almost an year.
This series of exhibitions, like a pictorial artwork, hides a deep meaning. Drawing up an exhibition project in four different cities in Germany with a particular age range and an artistic genre provides important implications.
First of all, despite the fact that the project takes place in four cities, it recalls a perspective of cohesion: the German art of the entire German nation united after 1989.
In fact, the selected generation grew up without the Berlin Wall, in a context that is opened to internationalisation and sharing, beyond ideological systems.
And on 11 November 2019 was celebrated the 30th anniversary of reunification.
The desire to celebrate a shared cultural union can be clearly seen through an exhibition on painting, a genre with a long tradition in Germany – from Dürer to Romanticism, through Expressionism, Dadaism, Bauhaus’ lessons, the Neue Sachlichkeit and beyond, from Communist Realism to the so-called Neue Wilde painters, to Gerhard Richter and the Neue Leipziger Schule.
In 2005 Hans Belting published a text, The Germans and their art, a difficult heritage, in which he deals with the historical and deep reasons for the difficulties of Germans about the formal characteristics of an artwork, that could be named as German.
In short, it emerges the picture of a divided nation since the Renaissance, into its own territory and also in its cultural myths and style. The German perception about these ones was characterized by a strong sense of inadequacy towards the artistic practices developed in other nations. Different perspectives in contrast tried to determine the cultural traits in relation to which identify themselves. In the 1980s, when the tension between the two Germanies was diminishing, the idea of a traditional and common art seemed to be characterized by two different pictorial manners, related to two different contrasting ideologies, whose positions, for this reason, become rigid.
It emerges that German art has always been identified through painting, beyond the ideological divisions that defined its formal characteristics.
The narration of Jetzt! concerns precisely the artists born in the 1980s, about young painting in Germany, and not young German painting. And now the 53 artists, that have studied in the Kunstakademie of the nation although they are of different nationalities, bring numerous visions and poetics. These ones are organized in this project and in this context in an organic, coherent and complex system. Beyond the ideological systems and national communities of destiny, painting in Germany involves, accepts and exalts the differences and the multicultural styles, which refer to the teachings and historical relationships that have influenced the poetics of artists. The link with the territory, history and positive tradition is strong, but not rigid. Plurality and difference are no longer in contrast but serve to create a dissimilarity for a peaceful mutual definition.
Some artworks recall a tradition linked to Expressionism, in tension between the abstract and the figurative. For example, Israel Aten represents men who echo the robotic imaginary, fragmenting themselves on the surface of the painting through signs and pictograms, looming over the viewer almost as Georg Baselitz’s anti-heroes; or Monika Michalko‘s landscapes convey complex spaces by staging more vivid and expressionist colours; while Hannes Michanek proposes surrealistic landscapes, quoting distant atmospheres of Böcklin’s gloomy symbolism.
Stephan Vogel, on the other hand, seems to take up a traditional aesthetic of ruins. In the painting Gebrache (broken spaces) in Chemnitz, through a mixture of different materials and the use of grey colour, he stages a place of otherness and lack of definition, where order and chaos chase each other and everyday images and forms are rhythmically repeated within an alien environment. His paintings recall a visual tradition that seems to date back to Kiefer’s canvases.
Thus, even the most figurative painting is present in Jetzt! in a very varied way. Some artists effectively and personally re-elaborate forms and figures inherent to the archives of historical and traditional imagery (Vivian Greven, Mona Ardeleanu), as much as digital-media (Benjamin Dittrich, Anna Nero) or pop-contemporary (Jagoda Bednarsky, Kristina Schuldt).
Simon Modersohn’s figurative canvases lead instead the viewer into the secret of painting, into a stage of surrealist suspension, where the flat surface of the representation, in addition to the representation itself, conveys to the viewer the presence of the painting and the creative process.
There is also no shortage of artists who focus precisely on the semiotics of the painting. Franzizka Reinbohte presents painting in its own conditions of possibility. The canvas comes out of its frame, the wooden support of the canvas breaks and folds back on itself, the colour spread massively dirty. The artist speaks of the same difficulty she meets communicating with the medium. Franzizka Holstein shows painting in itself, painting through painting: in Chemnitz there isa a series of almost monochrome canvases, hung neatly and rhythmically, that shows the surrender of artistic action to colour, presented as colour in itself on the canvas, which bears the traces of fingers and layers.
This attention to the medium’s support and the language of painting sometimes focuses on highlighting the direction of the gesture that spreads the colour (Sebastian Muhr, Moritz Neuhoff); or summons the continuity between space and painting (Lukas Glinkowski, Florian Meisenberg); otherwise it unfolds in solutions that recall the modernist tradition (Benedikt Leohnardt, Paul Czerlitzki).
Particular is Alexander Pröpster‘s work: it seems that, after having spread a massive layer of black oil colour on canvas, he scraped the colour off, digging up writings repeated obsessively and drawings evoking the archaeological search for something. His works appear as a palimpsest, whose traces profoundly change the appearance of the painting.
To the extreme consequences comes Tristan Wilczek who presents pencil writing, marker sketches, erasures with oil and acrylic paints, the results of a process that is inconclusive except in its own inconclusive state. The scribbled nude canvas is the first level of communication between artist and medium that exposes the first act of the pictorial relationship. It is the first level of every abstraction, as every painting actually is, beyond the abstract or figurative classification.
Finally, it becomes difficult trying to describe and classify also all the artists who focus properly on abstract painting: everyone speaks with painting in a different way, expressing and focusing on different qualities of the medium, sometimes exalting colour, surface, forms, gesture, artistic and aesthetic experience, chaos or repetition.
But beyond any descriptive classification, what remains is what Giacometti expresses: “Why are we talking about figurative, abstract, etc… if, when you’re painting, you’re already abstracting?”1
And abstraction is simultaneously a conceptual and physical form of the secret that painting hides, of that process of creation, of change, movement and becoming.
For this reason, painting can’t really be overcome, it will survive its ruins and the overbearing will of art market that wants it. One of its intrinsic characteristics is to renew the interest of a viewer and to renew itself in this relationship. It’s the abstraction of a process of creation and change, of birth and rebirth.
It is a positive symbolic tradition, so the cultural potential of good painting must not be forgotten, as Jetzt! proved.
Ogni quadro nasconde un segreto; cela una forza che si manifesta attraverso la pittura nella forma e nel tratto del gesto, che si pone come il risultato visivo di un processo creativo complesso ma che non significa solo quella forma, quel tratto o quel risultato. Il quadro è ciò che presenta al mondo sensibile l’incarnazione di un’invisibile.
Now! Paintng in Germany Today (de: Jetzt! Junge Malerei in Deutschland) è un progetto espositivo che presenta la pittura contemporanea in Germania in modo quasi figurale. I curatori sono stati in grado di creare un percorso completo, generale e coerente che fornisce un esauriente spaccato delle poetiche dei giovani pittori sul territorio tedesco. Dopo due anni di ricerca negli atelier e negli studi della nazione, i curatori hanno selezionato 53 artisti, principalmente nati negli anni Ottanta, le cui opere sono esibite nei musei di quattro diverse città – Bonn, Wiesbaden, Chemnitz e Amburgo – nell’arco di quasi un intero anno.
Questa serie di mostre, un po’ come un’opera pittorica, nasconde un significato profondo. Elaborare un progetto espositivo in quattro luoghi sparsi sul territorio della Germania definendo un range di età e un genere artistico ha implicazioni particolarmente importanti.
Nonostante il progetto si svolga in quattro città, richiama una prospettiva di coesione: l’arte tedesca di tutta la nazione unita dopo il 1989.
Infatti, quella selezionata è la generazione cresciuta senza il muro di Berlino, in un contesto che si è aperto all’internazionalizzazione e alla condivisione oltre i sistemi ideologici.
Proprio l’11 novembre 2019 è stato festeggiato il trentesimo anniversario dalla riunificazione.
Si intuisce chiaramente la volontà di celebrare una rinascita culturale condivisa attraverso una mostra sulla pittura, un genere di lunga tradizione in Germania – da Dürer al Romanticismo, passando poi all’Espressionismo, la Neue Sachlichkeit e, oltre al Realismo Comunista, ai pittori cosiddetti Neue Wilde fino a Gerhard Richter e alla Neue Leipziger Schule.
Nel 2005 Hans Belting pubblica un testo, I tedeschi e la loro arte, un’eredità difficile, in cui rintraccia le motivazioni storiche e profonde delle difficoltà della Germania nel rapportarsi alle caratteristiche formali di un’opera d’arte che si volesse definire tedesca.
In sintesi, il quadro che emerge è quello di una nazione fin dal Rinascimento divisa nel proprio territorio ma anche nella definizione delle proprie tradizioni culturali, caratterizzata da un forte senso di inadeguatezza verso le pratiche artistiche sviluppatesi nelle altre nazioni. Differenti prospettive in contrasto hanno cercato di determinare quegli stessi tratti culturali a cui si cercava di affidarsi per identificarsi. Ancora negli anni Ottanta, nonostante la tensione tra le due Germanie fosse in diminuzione, l’idea di un’arte tradizionale e comune sembrava caratterizzata da due differenti maniere pittoriche, attinenti a due differenti ideologie in contrasto, le cui posizioni, per questo, si sono irrigidite.
La costante che emerge è che l’arte tedesca sia sempre stata identificata attraverso la pittura, al di là delle divisioni ideologiche che ne hanno definito le caratteristiche formali.
Proprio dagli artisti nati negli anni Ottanta inizia la narrazione di Jetzt! (trad: ora/adesso), dalla giovane pittura in Germania e non dalla giovane pittura tedesca.
I 53 artisti, anche di nazionalità diverse ma che si sono formati nelle Kunstakademie della nazione, portano numerose visioni e poetiche che, organizzate in tale progetto espositivo e nel contesto presentato, si mostrano universo organico, coerente e complesso. Oltre i sistemi ideologici e le comunità nazionali, l’arte pittorica in Germania coinvolge, accetta ed esalta stili diversi, opposti e multiculturali che si riferiscono agli insegnamenti e alle relazioni storiche che hanno influenzato le poetiche degli artisti. Il legame con il proprio territorio, la propria storia e la propria tradizione è forte ma non per questo rigido. La pluralità e la differenza non sono più in contrasto ma servono a creare quel dissimile che funziona nel meccanismo di una reciproca definizione pacifica.
In mostra troviamo opere d’arte che emergono da una tradizione legata all’Espressionismo, in tensione tra l’astratto e il figurativo. Israel Aten da vita a uomini che richiamano l’immaginario robotico, frammentandosi sulla superficie del quadro in segni e pittogrammi, incombendo sull’osservatore un po’ come gli anti-eroi di Georg Baselitz; i paesaggi di Monika Michalko, veicolano spazi complessi mettendo in scena colori più vividi ed espressionisti mentre Hannes Michanek propone surrealistici paesaggi che richiamano echi lontani del cupo simbolismo di Böcklin.
Stephan Vogel sembra riprendere una tradizionale estetica delle rovine. Nel quadro Gebrache (spazi rotti) a Chemnitz, attraverso una commistione di diversi materiali e l’utilizzo del colore grigio, mette in scena un luogo di alterità e mancanza di definizione dove l’ordine e il caos si rincorrono e immagini e forme quotidiane si ripetono ritmicamente all’interno di un ambiente alieno. I suoi quadri richiamano una tradizione visiva che sembra risalire alle tele di Kiefer.
Anche la pittura di stampo più figurativo è presente in Jetzt!, in modo molto variegato. Alcuni artisti rielaborano efficacemente e personalmente forme e figure inerenti agli archivi dell’immaginario storico-tradizionale (Vivian Greven, Mona Ardeleanu), digitale-mediale (Benjamin Dittrich, Anna Nero) o pop-contemporaneo (Jagoda Bednarsky, Kristina Schuldt).
Le tele figurative di Simon Modersohn conducono il pubblico entro il segreto della pittura, in uno stadio di sospensione surrealista, dove la piatta superficie della rappresentazione, oltre alla rappresentazione stessa, veicola l’osservatore nella presenza del quadro e del processo creativo.
Non mancano autori che si concentrano propriamente sulla semiotica del quadro. Franzizka Reinbohte presenta la pittura nelle sue stesse condizioni di possibilità. La tela esce dalla sua cornice, il supporto di legno si spezza e si ripiega su sé stesso, il colore steso in modo massivo sporca. L’artista parla di quella stessa difficoltà che incontra nella comunicazione con il suo medium. Franzizka Holstein mostra la pittura in sé stessa, la pittura tramite la pittura: una serie di tele quasi monocrome appese ordinatamente e ritmicamente mostrano l’arrendersi dell’azione artistica al colore, presentato in quanto colore sulla tela, che porta le tracce delle dita e delle stratificazioni.
Tale attenzione al supporto del medium e al linguaggio della pittura talvolta si concentra sull’evidenziare la direzione del gesto che stende il colore (Sebastian Muhr, Moritz Neuhoff) o convoca la continuità tra spazio e quadro (Lukas Glinkowski, Florian Meisenberg), altrimenti si dispiega in soluzioni che richiamano la tradizione modernista (Benedikt Leohnardt, Paul Czerlitzki).
Particolare è il lavoro di Alexander Pröpster: pare che, dopo aver steso un massivo strato di colore a olio nero sulla sua tela, raschi il colore, disotterrando scritte che si ripetono in modo ossessivo e disegni che evocano la ricerca archeologica di qualcosa. Le sue opere appaiono come un palinsesto, le cui tracce mutano profondamente l’apparenza del quadro.
Alle estreme conseguenze arriva Tristan Wilczek presentando scritte a matita, schizzi a pennarello, cancellature con i colori a olio e ad acrilico, risultati di un processo che non è concluso se non nel suo stesso essere non conclusivo. La tela nuda scarabocchiata è il primo livello della comunicazione tra artista e medium che mostra ed espone il primo atto della relazione pittorica. È il primo livello di ogni astrazione, cioè di ogni pittura al di là della classificazione astratta o figurativa.
Difficile cercare di descrivere e classificare tutti gli artisti che si concentrano sulla pittura propriamente astratta: ognuno parla in modo diverso, esprimendo e concentrandosi su diverse qualità del medium, esaltando talvolta il colore, la superficie, le forme, il gesto, l’esperienza artistica ed estetica, il caos o la ripetizione.
Al di là di ogni classificazione descrittiva, ciò che permane è ciò che espresse Giacometti: “Perché parlare sempre di figurativo, di astratto, etc. Perché dal momento che fate un quadro fate già dell’astrazione?”1
L’astrazione è la forma contemporaneamente concettuale e fisica di quel segreto che cela la pittura, di quel processo di creazione, di mutamento, movimento e divenire.
La pittura non potrà mai davvero essere superata, sopravvivrà alle sue rovine e alla prepotenza della volontà del mercato, che la ha assoggettata. Una delle sue proprietà intrinseche è quella di rinnovare l’interesse dell’osservatore e, nel mentre, di rinnovarsi in quell’interesse; è l’astrazione di un processo di creazione e di cambiamento, di nascita e rinascita; è un patrimonio simbolico positivo, e per tali ragioni le potenzialità culturali della “bella pittura” non devono essere dimenticate, così come dimostra Jetzt!.
Chiara Spaggiari
1) Pierre Klossowski, Simulacra, il processo imitativo dell’arte, 2002, Milano: Mimesis, cit. pag 44
Jetzt! Junge Malerei in Deutschland (Now! Painting in Germany Today)
Curator team: Prof. Dr. Stephan Berg, Dr. Frédéric Bußmann, Dr. Jörg Daur, Dr. Alexander Klar, Anja Richter, Lea Schäfer, Dr. Christoph Schreier
Kunstmuseum Bonn 19/9/2019 – 19/1/2020
Museum Wiesbaden 20/9/2019 – 19/1/2020
Kunstsammlungen Chemnitz – Museum Gunzenhauser 21/9/2019–19/1/2020
Deichtorhallen Hamburg 7/2/2020–24/5/2020
Caption
Jetzt! Junge Malerei in Deutschland (Now! Painting in Germany Today) – Exhibition view, 2019/2020 – Jonas Weichsel: Wandarbeit 5, 2019, Acrylic on wall, 220 x 80 cm – Courtesy of the artist, Galerie Thomas Schulte – Benedikt Leonhardt: Untitled (CCD-MR/VD-CYD-1), 2019, Oil, acrylic, paint, vinyl paint, tape and spackle on canvas, 240 x 172,5 cm – Courtesy oft he artist, Galerie Feldbusch Wiesner Rudolph.
Jetzt! Junge Malerei in Deutschland (Now! Painting in Germany Today) – Exhibition view, 2019/2020 – Lydia Balke: There are too many words for damage. (Psychosis 1), 2019, Oil, acrylic on muslin, 200 x 140 cm – Courtesy of the artist, Fabian Ginsberg: Untitled (Grundriss Kunstverein Zlin, Serie R), 2018, Digital print on paper, plexiglass, oil, wood, 45,9 x 31,2 x 4,1 cm – Courtesy of the artist – Fabian Ginsberg: Untitled (Grundriss Städtische Galerie Villingen-Schwenningen, Serie R), 2018, Digital print on paper, plexiglass, oil, wood, 58,1 x 42,2 x 4,1 cm – Courtesy of the artist – Fabian Ginsberg: Untitled (Canon, Serie IN), 2018, Acrylic and lacquer on aluminium, plexiglass, wood, 190 x 96 x 6,5 cm, Courtesy of the artist
Jetzt! Junge Malerei in Deutschland (Now! Painting in Germany Today) – Exhibition view, 2019/2020 – Paul Czerlitzki: Untitled, 2011-2019, Acrylic on canvas (or wood), 210 x 190 cm – Courtesy of the artist, Galerie Laurent Godin – Paul Czerlitzki: Untitled, 2011-2019, Acrylic on canvas (or wood), 210 x 190 cm – Courtesy of the artist, Galerie Laurent Godin – Paul Czerlitzki: Untitled, 2011-2019, Acrylic on canvas (or wood), 210 x 190 cm – Courtesy of the artist, Galerie Laurent Godin – Benjamin Dittrich: Sedimentgesteine, 2019, Lacquer on canvas, 125 x 80 cm – Courtesy of the artist – Lydia Balke: Nach Scheiße kommt Tod, 2017, Oil on muslin, 160 x 110 cm – Courtesy of the artist – Lydia Balke: Everything That´s Left. And Everything That Isn´t Right. (Psychosis 2), 2019, Oil, acrylic on muslin, 200 x 140 cm – Courtesy of the artist – Lydia Balke: There are too many words for damage. (Psychosis 1), 2019, Oil, acrylic on muslin, 200 x 140 cm – Courtesy of the artist
Jetzt! Junge Malerei in Deutschland (Now! Painting in Germany Today) – Exhibition view, 2019/2020 – Monika Michalko: My own shop, 2018, Oil on paper, 105 x 157 cm – Courtesy of the artist, Produzentengalerie Hamburg – Aneta Kajzer: Out oft he Dark, 2018, Oil on canvas, 200 x 140 cm – Courtesy of the artist, CONRADS, Düsseldorf – Aneta Kajzer: I´ve Got No Brain Baby, 2017, Oil and acrylic on canvas, 160 x 145 cm – Private Collection, Berlin
