Five Questions – Cristóbal Gracia

Cristóbal Gracia è nato nel 1987 a Città del Messico, luogo dove oggi vive e lavora. Dopo aver sviluppato il suo percorso di studi presso la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” ha ottenuto il premio Arte Actual BBVA Bancomer – MACG e la borsa Young Creators del National Fund for Culture. Membro di Biquini Wax EPS, piattaforma indipendente di produzione, discussione ed esposizione di arte contemporanea, la sua ricerca estetica prede forma nello scontro semiotico e nella dialettica fra fonti differenti. Le sue opere mettono in relazione personale e collettivo generando un’analisi della storia che warburghianamente fugge dalla contingenza e si fa “monumentale” e sovratemporale.

Segue intervista in italiano

What does it mean to be an artist and what are the differences that you noticed between the beginning of your career and today?

I strongly believe that art is one of the last spaces of freedom and resistance that we have and that the labor of an artist deals with the possibilities of reorganizing and re-shaping the sensible and the symbolic. This can be really useful to understand and challenge how our reality has been built by power and ideological structures imposed over time, here lies the opportunity of contemplating life in a different light and create intersectional encounters to think and feel collectively. Art is both, a personal and collective experience.

First of all I can´t really point a specific moment when my career started, I think that the creative pulse was always there, even before I could understand it and name it. The difference that you are asking for is that one of when you consciously realize all the implications and responsibilities that comes with being an artist, that is also something that does not happens from night to day is a continuous path of searching and learning.

What are themes touched by your work and what are next projects?

My projects start with a deep historical research that allows me to connect different times and events in order to construct a non-linear narrative to the present and in most of my projects I tend to involve different creative agents, every collaboration is essential not only in the material fabrication of my artworks but also in conceptual decisions that give each project a unique specificity. In my process of work I tend to search for the tensions that art can create when working with dichotomies and contradictions belonging to different fields of knowledge, the fractures and movement created by this tension allow a certain contamination that I am interested in, I have never liked the idea of purity, complete control and of the sterilization of art. I am concerned with concepts such as the public space, the notion of the monumentalism and its political, historical and social implications, the ways that the entertainment industry is used as an ideological tool and how the displacement and duplicity of symbols can completely change its meaning depending from when and from where it is being seen.

In 2019 I spent more than 2 months in Lake Como at Bikini Art Residency working in a show that we will present in Milan at Viasaterna gallery in March. In February I will be participating in the 3rd Kamias Triennial in Manila, after that I have a couple of shows in Mexico and also I am part of Biquini Wax EPS, an artist run-space and collectivity, we have constant and never ending flow of projects.

How do you relate with the city and the cultural context where you live?

I don´t work exclusively with the context of Mexico City but off course that the city I live in has shaped me in more than one-way. The contrasted economical and political context of Mexico has historically provided artist with a problematic but creative landscape. I believe there is a certain strange creative energy in Mexico difficult to find in other so called “more structured countries or cities”. However, external and international factors have built certain clichés and expectations of how “Mexican art” should be or what it is expected of a “Mexican artist” work to be like, this is pure crap. Living in Mexico you learn that disappointment, failure, humor and hope are important forces in art, useful for mining these external expectations and clichés. Reality is much more complicated, it cannot be limited to a singular geographical zone, it is also a way to simplify historical tensions and struggles of a country. My cultural context is not limited to the place and time I live in. Information is in a constant flow, bodies too. In 2019 I spent half of the year outside Mexico, and most of my recent years have been similar, these movements and flows are also my cultural context. The constant geographical relocation modifies the understanding of my artistic production, the simultaneity of historical times, bodies and spaces in constant movement debate between specific and global contexts.

What do you think of the system of contemporary art?

I think that there are several systems in contemporary art, the way that Mexico and Italy operate is different. But I think in general terms that the contemporary art system functions in a complicated and unbalanced web of interdependent relations between artist, artist-run spaces, curators, critics, galleries, institutions, museums, foundations, collectors, buyers, precarised cultural workers, the public, schools etc. And even in this simplistic categories there is a wide range of tonalities, we can´t compare the role of blue chip artist to emerging ones or international and global galleries to local ones, the same with museums, everyone plays a different part when it comes to building the so called system of contemporary art. But what I have found to be a common denominator is that non-wage laborers and precarised cultural workers support the most interesting initiatives and sustain this system while just a small group are the ones coopting and capitalizing this labor. I am not naïve in terms of the economical structure and the world we live in, I have found to be important the collaboration with galleries, foundations, collectors… in my carrier, this has allowed me to focus in my work. But the problem is when the art system starts to emulate the neoliberal one, this is related to what I was saying in the first question, art has to be a field of opposition, when the economical gain is the primal goal we are loosing this force of opposition and resistance, art starts to loose meaning and becomes just commodities. But again, this is in general terms, I also have found that more and more collectives, groups, schools, artist-run spaces, independent curators and even more established institutions around the world are looking for ways to build a cultural system that steps away from a neoliberal model, again, going back to the first question, “create intersectional encounters to think and feel collectively. Art is both, a personal and collective experience.”

There is a particular topic you want to talk about today?

Sleeping disorders, lately I’m having trouble trying to sleep. An image or a sound gets obsessively stock in my head and repeats over and over again, this makes falling asleep a task that can take hours and hours.



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Cosa significa essere un artista e quali differenze noti fra i tuoi esordi e oggi?

Credo fermamente che l’arte sia uno degli ultimi spazi di libertà e resistenza che abbiamo e che il lavoro di un artista affronti le possibilità di riorganizzare e ridisegnare il sensibile e il simbolico. Questo può essere davvero utile per capire e sfidare il modo in cui la nostra realtà è stata costruita dal potere e dalle strutture ideologiche imposte nel tempo; qui c’è l’opportunità di contemplare la vita sotto una luce diversa e creare incontri intersezionali per pensare e sentire collettivamente. L’arte è un’esperienza sia personale sia collettiva.

Anzitutto, non posso davvero indicare un momento specifico in cui è iniziata la mia carriera, penso che l’impulso creativo sia sempre stato lì, anche prima che potessi capirlo e nominarlo. La differenza che mi stai chiedendo si sviluppa quando realizzi consapevolmente tutte le implicazioni e le responsabilità che derivano dall’essere un artista, è qualcosa che non accade dal giorno alla notte, è un percorso continuo di ricerca e apprendimento.

Quali tematiche trattano i tuoi lavori e che progetti hai in programma?

I miei progetti iniziano con una profonda ricerca storica che mi permette di collegare tempi ed eventi diversi al fine di costruire una narrazione non lineare nel presente. Nella maggior parte dei miei progetti tendo a coinvolgere diversi agenti creativi, ogni collaborazione è essenziale non solo nella fabbricazione materiale delle mie opere ma anche per le decisioni concettuali che conferiscono a ogni progetto una specificità unica. Nel mio processo di lavoro tendo a cercare le tensioni che l’arte può creare quando si lavora con dicotomie e contraddizioni appartenenti a diversi campi della conoscenza; le fratture e il movimento creati da questa tensione consentono una certa contaminazione a cui sono interessato, non mi è mai piaciuta l’idea di purezza, di controllo completo e di sterilizzazione dell’arte. Mi occupo di concetti come lo spazio pubblico, la nozione di monumentalità e le sue implicazioni politiche, storiche e sociali, dei modi in cui l’industria dell’intrattenimento viene utilizzata come strumento ideologico e come lo spostamento e la duplicità dei simboli possa cambiare completamente il loro significato a seconda di quando e da dove essi sono visti.

Nel 2019 ho trascorso più di due mesi sul Lago di Como, presso la Bikini Art Residency, lavorando a una mostra che presenteremo a Milano, alla galleria Viasaterna, a marzo. A febbraio parteciperò alla terza Triennale di Kamias a Manila, dopodiché terrò un paio di mostre in Messico e sono parte di Biquini Wax EPS, artista run-space e collettivo: abbiamo un flusso costante e infinito di progetti.

Come ti rapporti con la città e il contesto culturale in cui vivi?

Non lavoro esclusivamente nel contesto di Città del Messico ma, ovviamente, la città in cui vivo mi ha plasmato in più di un modo. I contrasti del contesto economico e politico del Messico hanno storicamente fornito all’artista un paesaggio problematico ma creativo. Credo che in Messico vi sia una certa strana energia creativa difficile da trovare in altri cosiddetti “paesi o città più strutturati”. Tuttavia, fattori esterni e internazionali hanno costruito alcuni cliché e aspettative su come dovrebbe essere “l’arte messicana” o su come dovrebbe essere un’opera di un “artista messicano”: questa è pura schifezza. Vivendo in Messico apprendi che delusione, fallimento, umorismo e speranza sono forze importanti nell’arte, utili per uscire dalle aspettative e dai cliché. La realtà è molto più complicata, non può essere limitata a una singola zona geografica, è anche un modo per semplificare le tensioni e le lotte storiche di un paese. Il mio contesto culturale non si limita al luogo e al tempo in cui vivo. L’informazione è in un flusso costante, anche i corpi. Nel 2019 ho trascorso metà dell’anno fuori dal Messico e la maggior parte dei miei ultimi anni sono stati simili, questi movimenti e flussi sono anche il mio contesto culturale. La costante delocalizzazione geografica modifica la comprensione della mia produzione artistica, la simultaneità di tempi, corpi e spazi storici in un costante discussione in movimento tra contesti specifici e globali.

Cosa pensi del “sistema dell’arte contemporanea”?

Penso che ci siano diversi sistemi nell’arte contemporanea, il modo in cui Messico e Italia operano è diverso. Penso in termini generali che il sistema dell’arte contemporanea funzioni in una rete complicata e sbilanciata di relazioni interdipendenti tra artista, spazi gestiti da artisti, curatori, critici, gallerie, istituzioni, musei, fondazioni, collezionisti, acquirenti, precari operatori culturali, il pubblico, scuole, etc. In queste categorie semplicistiche esiste una vasta gamma di tonalità, non possiamo confrontare il ruolo dell’artista di successo con quello degli artisti emergenti o le gallerie internazionali e globali con quelle locali, lo stesso con i musei, tutti giocano un parte diversa quando si tratta di costruire il cosiddetto “sistema di arte contemporanea”. Quello che ho scoperto essere un denominatore comune è che i lavoratori non salariati e gli operatori culturali precari sostengono le iniziative più interessanti e sostengono questo sistema mentre solo un piccolo gruppo è quello che coopta e capitalizza questo lavoro. Non sono ingenuo nei confronti della struttura economica e del mondo in cui viviamo, ho trovato importante la collaborazione con gallerie, fondazioni, collezionisti, nella mia carriera questo mi ha permesso di concentrarmi sul mio lavoro. Il problema è quando il sistema dell’arte inizia a emulare quello neoliberista, questo è legato a ciò che dicevo nella prima risposta, l’arte deve essere un campo di opposizione, quando il guadagno economico è l’obiettivo primario, stiamo perdendo questa forza di opposizione e resistenza, l’arte inizia a perdere significato e diventa solo merce. In termini generali, ho anche scoperto che sempre più collettivi, gruppi, scuole, spazi gestiti da artisti, curatori indipendenti e istituzioni più affermate in tutto il mondo sono alla ricerca di modi per costruire un sistema culturale che si allontani da un modello neoliberista; tornando alla prima domanda, “creare incontri intersezionali per pensare e sentire collettivamente. L’arte è un’esperienza sia personale sia collettiva. “

Di quale argomento, oggi, vorresti parlare?

Disordini del sonno, ultimamente ho problemi nel riuscire a dormire. Un’immagine o un suono si accumula ossessivamente nella mia testa e si ripete ancora e ancora, questo rende addormentarsi un compito che può richiedere ore e ore.

A cura di Marco Roberto Marelli


Instagram: cristohbal_g


Caption

Studio di Cristobal Gracia durante Bikini Art Residency, Lago di Como, 2019 – courtesy Cristobal Gracia

A money laundering wishing well, which is also a painting but not a painting of a wishing well – courtesy Cristobal Gracia

Articulated Wall 2016 – courtesy Cristobal Gracia

Guimet Room project – courtesy Cristobal Gracia

Ritratto di Cristobal Gracia nel suo studio alla Bikini Art Residency, Lago di Como, 2019 – courtesy Cristobal Gracia, ph Juliana Gomez.